Batı klasik müzik tarihinin terimiyle tanımlanan alanıyla sınırlı olması " klasik müzik " yaygın olarak kabul edilen ve günümüze kadar kökenlerinden, kutsal yanı sıra laik bilimsel müzikler için de hangi.
Müzik muhtemelen de ilk tarihsel izlerinin zamanından önce, eski zamanlardan beri mevcuttur. Er ya da geç kendi müzik sistemini geliştirmemiş veya kendi ihtiyaçlarına ve zevklerine göre uyarlayarak bir müzik sistemini benimsememiş bir medeniyet yoktur.
" Müze " terimi gibi, "müzik" terimi de eski Yunanca Μοῦσαι / Moûsai'den ("Muses") türetilmiştir . Batılı müzik kavramı, bu nedenle , mükemmel, hoş ve iyi düzenlenmiş bir şey fikrini hatırlatan bilimlere ve sanatlara bir imadır.
İtibaren ardından antik Yunan müziğinin ve antik Roma'nın olduğunu , Batı klasik müzik aslına bulur Hıristiyan şarkı birinci yüzyılın topluluklar tarafından yayılmasını. Ritüellerin birleştirilmesi, müziğin Gregoryen ilahiye, monodik olarak gelişmesini sağlar ve ardından Batı'daki ilk müzikal yazı sistemi olarak ortaya çıkar. Polifonisi keşiş tarafından şekillendirilmiş, daha kesin bir yazı gerektirir Sonraki yüzyıllarda, katılır Guido d'Arezzo . Popüler müziğin, özellikle ozanların sözlü olarak aktarımı , yalnızca Orta Çağ'ın ardışık ekollerinin ( ars antiqua ve ars nova ) kutsal müziği bize kadar gelmiştir. Rönesans öncesi, esas olarak armoni teorisinin kökenini oluşturacak olan Fransız-Flaman müzik okullarının gelişimini gördü . At XVI inci oluşturulmasını: yüzyıl müziğinin yayılması için en önemli olaylardan biri üretti müzikal baskı . Aynı zamanda en önemli temsilcisi Claudio Monteverdi olan ve daha sonra opera olacak olanın da kökeni olan madrigalin doğduğu yüzyıldır .
Sonraki yüzyıllarda müziğin olağanüstü gelişimi, Bach'ın 1750'deki ölümüne kadar Barok dönemi ve klasik dönem için Mozart'ın bestelerinin mükemmelleşmesiyle sonuçlandı .
XIX E yüzyılın başında Ludwig van Beethoven'ın kişiliği hakimdir . İtalyan operası ( Gioachino Rossini ve Giuseppe Verdi ile birlikte ) ve romantik müzik gibi “büyük Alman senfonizminin mevsimi”dir . Tonal sistemin krize yol açtı yüzyılın sonu için başlangıcı yansıtılan Tristan ve Isolde ait Wagner ve benimsenmesi, ikinci on yılı takip eder XX inci tarafından yüzyılın Arnold Schoenberg ve öğrencileri, yeni bir sistem , dodekafonizm . Bu, ilk bölümde Igor Stravinsky , Béla Bartók , Maurice Ravel ve Claude Debussy'nin , ardından bütünsel sericilik aşaması için Pierre Boulez , Karlheinz Stockhausen , Olivier Messiaen ve John Cage'in en büyük temsilcileri olan modern müziğin başlangıcıdır .
Müziğin ilk çağrışımı, Lamec ve Ada'nın oğlu Iubal veya Jubal hakkında Yahudiliğin kutsal metinlerinde bulunur ve onlar hakkında şöyle denilir:
"... kanun ve flüt çalan herkesin babasıydı "
- Yaratılış 4,21,
Bu alıntı, MÖ 3200/3000 civarında bir zamana atıfta bulunuyor gibi görünüyor.
Ancak, müziğin, sesin organize bir üretim biçimi olarak doğuşunun , sesi veya özellikle doğal sesleri taklit etmek için yapılmış enstrümanları kullanma arzusuyla yönlendirilen, çok daha erken ve muhtemelen insanın kendisi kadar eski olduğu kesindir . kuşlar , yaprakların hışırtısı , gök gürültüsünün hiyerarşik çarpması .
Bu yönde bazı kanıtlar eski müzik aletlerinin buluntularından çıkarılabilir . Doğrudan tanıklıkların yokluğunda, Brezilya Kızılderilileri , Avustralya Aborijinleri veya bazı Afrika toplulukları gibi yaşam biçimleri tarih öncesi dönemlere oldukça benzeyen halkların gözlemi , müzik biçimleri üzerine bazı varsayımlara izin verir. .
Muhtemelen en eski müzik biçimleri çoğunlukla ritimden doğmuştur : Kalbin atışını taklit etmek için ellerin ve ayakların atılması veya koşarken ya da dörtnala koşarken ayakların ritmik ritmi; gibi ünlemlerin kendiliğinden fonasyonunun oyun veya can sıkıntısı yoluyla değiştirilmesi . "," Ah! »… Hasat edilen tahılı un haline getirmek, bitki toplamak için eğilmek veya tohum ekmek gibi yorucu veya monoton işlerde. İlk müzik aletlerinin vurmalı çalgılar , muhtemelen bir çeşit davul olması, bu olgudan ve yapımlarının görece kolaylığından dolayı kuvvetle muhtemeldir .
Bulunan en eski enstrümanlar arasında aslında bir yarık tambur, dış yüzeyinde uzunlamasına bir yarık bulunan, yarık üzerinde çubuklarla vurmalı çalgılarla çalınan içi boş bir silindir bulunmaktadır. Bulunan en eski ve en ilkel versiyonlar, yarığı olmayan, ancak zeminde açılmış bir deliğe enlemesine oturan ve şüphesiz enstrümanın üzerine tünemiş müzisyenler tarafından ayaklarla vurmalı çalgılarla çalınan içi boş bir gövdeden oluşur.
Daha sofistike enstrümanların ortaya çıkması için daha uzun süre beklemek zorundayız. Davuldan sonra ilk ortaya çıkanlar , MÖ X. yüzyıldan önce Yunan , Mısır ve Mezopotamya'da tanıklıkları bulunan nefesli çalgılar ( flüt , boru ) ve yaylılar ( arp ve kanun ) olmuştur . AD . Bu medeniyetler , kendi müzik gamlarının temeli olarak kullanılan sesler arasındaki ana aralıkları ( beşinci , dördüncü , oktav ) zaten biliyorlar .
Antik Yunan'ın sosyal ve dini yaşamında müzik önemli bir yer tutar . Yunanlılar için müzik, şiir , dans , tıp ve büyü uygulamalarıyla birlikte en önemli sanatlardan biridir . Müziğin Yunan dünyasındaki temel rolü, bu sanatı çağrıştıran birçok mit aracılığıyla gösterilir . O Orpheus tanrılarını ikna etmek müziğe sayesinde başarılı, Ades eşi getirmek için Eurydice gün ışığına sırtını , müziğin kurucu efsane olarak kabul edilir.
In Arkaik dönemde (kökenleri VI inci yüzyıl M.Ö.. ), Müzik sadece profesyonel müzisyenler tarafından gerçekleştirilir ozanları ve ozanların sözlü bir enstrüman ve iletim müzik eşliğinde mitleri declaim.
Sırasında Klasik dönemde ( VI inci yüzyıl M.Ö.. IV inci yüzyıl M.Ö.. , Müzik. Eğitim sisteminin bir parçası olmak için bu nedenle daha yaygın olduğu başlayan bu döneme var olmaya devam ettiğini müzikal yazı ile ilişkili çok az kaynakları, bu bir sadece profesyonel müzisyenler tarafından kullanılması ve aktarımın sözlü olması hala klasik dönemde trajediyi geliştirir.Konular mitolojide alınır ve koro müziği ile dönüşümlü iki veya üç karakter arasındaki diyaloglardan oluşur.Oyuncuların hepsi erkektir. ve, tiyatro maskesi takan , müzik eşliğinde metnini okurlar. mimari yapısı tiyatro aktörleri arasında gerçekleştirmek bir katman (koïlon) aşamasında (Proskenion) önünde bulunan halk için yarım daire oluşur tribünler ve sahne, koronun düzenlendiği orkestradır (orkestra) .
Yunanlıların kullandığı çalgılar arasında lir , kanun ve aulos en yaygın olanlarıdır. Lir, bir mızrap kullanılarak çalınan ve Apollo'nun niteliklerinden biri olan, koparılmış bir yaylı çalgıdır . Aulos akım benzer bir çift kamış rüzgar enstrüman obua ziyafetler, cenaze veya dini kurban olarak kullandı. Davul ve zil gibi vurmalı çalgılar da kullanılmaktadır .
Yunanlılar müziği matematikle ve yıldızların hareketiyle ilişkilendirirler . Pisagor , gezegenlerin hareketini gözlemleyerek müziğin de kesin matematiksel yasalara tabi olduğunu anladı. Sezgisini monokorda uyguladı ve bir tel belirli bir perdede ses üretiyorsa , üst oktavda bir ses elde etmek için telin yarısını titretmeniz gerektiğini, beşinciyi elde etmek için üçte ikisini titretmenin yeterli olduğunu keşfetti. ipin vb. Bu nedenle, beşinci döngüye dayalı ölçeğin kökeninde olacaktır.
Yunan müzik sisteminin temelinde, doğru bir dördüncülük aralığına dahil edilen dört azalan sesten oluşan dörtlü vardır . İki ara ses hareketliyken iki uç ses sabittir. Dörtlü ayrılır diyatonik , kromatik ve enharmonic . İki tetrakordun birleşimi Dor, Frig veya Lidya olabilen bir mod oluşturur . İlişkilendirme türüne bağlı olarak, modlar sırasıyla birleşik veya ayrık olabilir. Ayrık bir Dor modunda , tizde ortak bir dörtlü, basta başka bir ortak dörtlü ve ikincisinin altına bir not eklersek , iki oktavın uzantısını kucaklayan " teleion " sistemini veya mükemmel sistemi elde ederiz .
Müzikal ritim o dayanmaktadır şiir . Yunan şiirinde ölçü , kısa ya da uzun hecelerin süresinden türemiştir: aynı fenomen müzikte de bulunur. Kısa, mevcut sekizinci nota ve uzun, çeyrek nota eşdeğerdir . Ritim, ayak denilen ritmik bir düzende sıralanan iki veya daha fazla nota veya hecenin birleştirilmesiyle elde edilir . Şiir, farklı ayaklarda kombinasyonu oluşturan verse ve çeşitli ayetlerin birbirini oluşturan dörtlük .
Ruhu zenginleştirebileceğini düşünen Yunanlılar, müziğe eğitici bir işlev yüklemektedir. Platon'a göre , jimnastiğin bedeni güçlendirmesi gibi müzik de ruhu güçlendirmeye hizmet etmelidir . Bu söylem, her modun kendine özgü bir ahlaka sahip olduğu ve ruhu olumlu ya da olumsuz etkileyebileceği ahlak doktrini ile daha da gelişir . Platon için Dorik veya Frig doğasının modları olumlu etkilerken, Lidya modları rasyonel dengeyi bozabilir. Aristoteles , ethos'taki sınıflandırmayı kabul eder, ancak tüm modların ruh için faydalı olabileceğine inanır.
O zamana kadar, müzik teorisi yalnızca matematiksel bir bakış açısıyla biliniyordu. Daha sonra, Aristoxene ait Taranto önemini keşfeder kulağın seslerin algı.
Gelen Helenistik dönem krizi eşliğinde Yunan "Mousike" temelleri ile bağlantılı önemli krizlerin biz tanık biri trajik tarz . Bu nedenle, bir repertuarın parçalarını sahneleyen oyuncuların gerçek performanslarıyla karşılaşıyoruz.
In 146 M.Ö.. AD Roma Yunanistan'ı fetheder. Bu tarih, antik Yunan kültürünün sonunu işaret eder, ancak aynı zamanda Roma kültüründe “öncesi” ve “sonrası” arasında ayrım yapan bir faktördür.
“Önce” müziğinin, Roma, mütevazı varlığı ile işaretlenmiş Etrüsk veya İtalik kökenli gibi yerli gösterileri ile ilişkili, Atellanes veya Fescennins . Askeri kullanım için metal aletlerin dağıtımı bu erken döneme kadar uzanır: dairesel şekilli salyangoz , uzun düz bronz borulu tuba .
“Sonra”, Yunanistan'ın Romalılar tarafından fethinin bir sonucu olarak birçok Yunan müzisyen , entelektüel , sanatçı ve filozofun Roma'ya gelişiyle karakterize edilir . Müzik sistemi de dahil olmak üzere tüm Roma kültür sistemi, temel farklılıklarla birlikte, fethedilen ülkeninki tarafından koşullandırılmıştır. Benzer şekilde, dramatik alanda, trajediler ve komediler Yunan modeline göre bestelenir, ancak farklı isimler taşır: Yunan coturnae (aktörler "coturnes" giydiği için böyle adlandırılmıştır), monodik ve koro, ciddi kamusal olaylar için gerekli olan ritüel karakter. gibi Rioni , dini festivallere, oyunlarda haline palliate : fırsat için giyilen giysi adından Roma'da beyin zarı .
Roma müziği, kullanımları, biçimleri ve teorisi bakımından Yunan dünyasının müzik sistemini miras alır. Öte yandan, şarkıya eşlik edecek birkaç enstrümanla icra edilen Yunan müziğinin rafine sadeliğine kıyasla, Romalıların müziği kuşkusuz daha canlı ve renkli, italik kökenli unsurlarla karıştırılmış ve büyük müzik toplulukları tarafından icra ediliyor. kitlesel varlığı rüzgar araçlar : tibia , sivilce , lituus , tuba ve kullanımı hydraule (hidrolik organı) ve çok sayıda (ve gürültülü) vurmalı araçlar . Bu Roma'da müzik çok popüler ve her zaman gibi birçok gösterileri eşliğinde olduğunu düşündürmektedir pandomim veya kümeler arasında gladyatörlere . Yunanlılar için müzik eğitimin temel bir bileşeniyken, Romalılar onu aşağılık olarak gördüler ve onu vir eğitimden ziyade partiler ve eğlence ile ilişkilendirdiler .
Hıristiyanlığın ve dolayısıyla Hıristiyan şarkının yayılması , Batı müziği tarihinde belirleyici bir rol oynamıştır. Koro müziği erken yüzyıllarda Hıristiyan şarkıda dayanmaktadır. Kutsal Yazılarda şarkı söylemenin İbrani dininin ayinlerinde yaygın bir uygulama olduğunu okuruz : Mesih , öğrencileri gibi, kendisi de bir hazan olarak tanımlanır :
"Ve ilahiyi söyledikten sonra Zeytin Dağı'na çıktılar"
- İşaret , 14, 22-26
İlk Hıristiyan topluluklarının ayinlerinde müziğin işlevi ile Hıristiyanlığın resmi başlangıcından ( 313'ten sonra ) dekoratif, sentetik ve stilize sanatın işlevi arasında bir paralellik kurulabilir . Her iki durumda da inanç argümanları, mütevazi kökenli, okuma yazma bilmeyen bir cemaat tarafından bile kolayca ezberlenebilen sözsüz sanatsal ifadelerin konusudur.
Fikirlerin bu şekilde söylenmesi, yüzyıllar boyunca, Latin dili uzun süre anlaşılır olmaktan çıktıktan sonra bile, inananların kutsal eyleme katılımına katkıda bulunmaya devam edecektir . Zamanla, hiyeratik didascalia (kutlayanın ilahisi ile ilişkili) ve katılımcı müziğin işlevine, kısmen başarıyı atfetmenin mümkün olduğu özellikler ve ses hacmi aracılığıyla dini olayları kutlamayı amaçlayan dekoratif bir işlev eklenecektir. gibi bir aletin organı .
Gibi nota olmayacak ikinci milenyumda bir ara dek ortaya, ilk yüzyıllarda Hıristiyan şarkı tamamen bize bilinmeyen ve biz tahminlere kaynaklanıyor bildiklerimizin fazla. İbrani ayininden geldiği varsayılan , ilk yüzyılların ayinlerinin , küçük varyasyonlardan (bir yarım tondan daha az genlikleri nedeniyle mikrotonaller olarak adlandırılır) oluşturulan ve ritmin sözel ayinlerden türetildiği geleneksel melodik formların tonlamasına dayandığını gösterir. ayin ritmi (bu sürece kantilasyon da denir ). Ayrıca, Hıristiyan dininin tatbik edildiği mahremiyet koşulunun, ayinin ve dolayısıyla müzikal referansın eşlik etmesinin çeşitli varyantlarının ortaya çıkmasına neden olduğunu varsayabiliriz.
380 yılında Selanik Fermanı'nın Hıristiyan dinini imparatorluğun tek dini olarak kabul etmesiyle durum değişti . Gönderen V inci yüzyılın , Hıristiyanlık ayini birleşmesini ve dolayısıyla müzik formları olduğu ayrılmaz bir parçası gerektiren bir yapı kazandırmak başladı.
Litürjik müziğin ilk biçiminin monodik olduğunu (yani, bir solistin emanet ettiği tek bir ses anlamına gelen Yunanca terime göre) ve bir nota etrafındaki tonlama varyasyonlarına dayalı olduğunu varsayabiliriz . , hece olarak bilinen müzik tarzında kutsal metnin kelimelerinin prozodisi (veya vurgusu) tarafından dikte edilen varyasyonlar. Kitlenin çoğunda bu baskın müzik stilinin üzerine, ikinci bir stil üst üste bindirilir; başlangıçta, bir solistin aynı hece üzerindeki tonlamayı özgürce değiştirirken aynı hecedeki tonlamayı özgürce değiştirdiği teklifte olduğu gibi daha fazla vurgu anları için ayrılmış olan ikinci bir stil. melismatik denilen stil .
Müziğin iletim hala ağız ve varlığı büyük dini merkezler arasından ispatlanmıştır şan okullarda gerçekleşir IV inci yüzyılın . Köken okulunun ötesinde, her şarkıcının doğaçlama sanatının, büyük ölçüde litürjik kullanım müziğini belirlemesi muhtemeldir.
Erken VI inci yüzyıl Batı birkaç dini nüfuzu exist, kendi ayin ile her ( Eski Roma , Ambrosian Milan, içinde Mozarabic İspanya, Kelt Britanya Adaları, Gallican Fransa'da aquiléen doğu İtalya'da Beneventan güney İtalya'da ...) . Geleneğe göre, ayinlerin ve dolayısıyla litürjik müziğin birleştirilmesine yol açan belirleyici itici güç, bu yüzyılın sonundan , Büyük Gregory'nin ( 590 - 604 ) papalığı döneminde ortaya çıkar .
Gerçekte, birleşmenin neredeyse iki yüzyıl sonra, Şarlman'ın inisiyatifiyle ve Kutsal İmparatorluğun doğuşuna yol açan siyasi birleşmenin ardından gerçekleştiğine inanmak için her türlü neden vardır . Büyük Gregory'ye atfedilmesi , kendi geleneklerinden vazgeçmek zorunda kalan çeşitli dini çevrelerin değişime karşı direncini aşmak için tanıtılmış olurdu.
İki ana ayin olan Eski Roma ve Galya ayinlerinin birleştirilmesinin sonucu , yeni ayinlerde kabul edilen tüm ilahileri içeren Gregoryen antiphonary'de kodlandı . Kutsal müziğin sınıflandırılması daha sonra Yunan geleneğinin modlarından (Dorik, Hypodoric, Phryg , Hypophryg, Lidya, Hypolydian, Mixolydian, Hypomixolydian) esinlenilmiş modlar sistemine göre gerçekleştirilir - en azından isimleri için ).
Gregoryen reformu, orijinal şan okullarında uygulanan sözlü aktarım için metinlerin incelenmesinin yerini aldı ve bölgesel özelliklere ek olarak (bazıları, özellikle Mozarabik ayinininkiler özellikle zengindi) ve mikrotonal tonlamayı (yine M.Ö. "eski-Roma" ayini), doğaçlamanın rolü. Aynı zamanda, şarkıcıların müziği her zaman aynı modda, yukarı veya aşağı yönü gösteren bir melodi çizgisi ile icra etmelerine yardımcı olmak için metinlere “açıklama” yapma ihtiyacı ortaya çıkar. Bu gereklilik , kodekslerin satırları arasında not edilen, tonlamayı ve ritmi serbest bırakırken melodinin hareketini temsil eden belirli işaretlere, neumelere (görünüşe göre koro şefinin jestlerinden kaynaklanır) yol açar .
Neumatik yazı böylece ilk modern müzikal "notasyon" haline gelir (daha sonra "nota" terimini verecektir).
Gregoryen reformu, ezgisel çizgiye yatay yönde süslemeler, dikey yönde ise şarkıya başka sesler ekleyen güçlendirmeler sayesinde temel monodik ezgilerin zamanla zenginleşmesini engellemez.
Yatay amplifikasyon Gregoryen melodi (metinler ve melisms interpolasyonuna biçimini alır Tropes ) ya da örneğin, ayin belirli anlarda orijinal bileşimlerin alleluia ( dizileri ).
Çok sesliliğin (Yunanca: birkaç sesten) başlangıcını oluşturan dikey büyütme, paralel gelişmede önce monodik sesin ( vox Principalis ), ikinci bir sesle ( vox organalis ) iki katına çıkması (difoni) şeklini alır ve " paralel organum " olarak bilinen sürece göre sabit bir mesafede (dördüncü veya beşinci) Vox organalis (veya duplum ) başlangıçta altında bulunan vox principalis ardışık gelişmeler sırasında daha fazla akut haline gelecekti. Antlaşma Musica Enchiriadis yarısı IX inci yüzyıl "paralel organum" ve oyların paralel hareket içinde olağanüstü varyasyonları raporları.
Seslerin paralel hareketi kuralından uzaklık, daha karmaşık polifonik teknikler üretmeye yöneliktir: 1100 civarında , seslere verilen, her zaman ünsüz olarak kabul edilen mesafeleri koruyan dechant tekniği böyleydi (dördüncü, beşinci). , oktav ve birlik), paralel hareket ile zıt hareket arasında değişen daha serbest bir hareket.
Aynı zamanda, muhtemelen popüler şarkıdan türetilen , vox prensibi çok uzun süreli değerlerle orijinal melodiyi söylerken duplumu melismlerin performansıyla emanet eden heterofoni adı verilen bir teknik ortaya çıkıyor . Bu uygulama bazı İtalyan kodeksi belgelenmiştir XII inci ve XIII inci yüzyıllar Origanum tez Vatikan ve kiliseden aynı dönemin belgeleri olarak Saint-Martial de Limoges . Bu stil adını alacak melismatic organum .
Bunlar Gregoryen monodik reçetede yapılan tek değişiklikler değildi: Melismatik organumun geliştiği zaman ve yerlerde, bir dron sesinin (kompozisyonun tüm süresi boyunca uzanan tek bir alçak nota) kullanımına dair örnekler buluyoruz. Seslerin farklı metinler söylediği, daha sonra motet adını alacak olanı tahmin ederek ve üç ses için yazı taslağı çizdiği eşzamanlı mecazlar adı verilen çok metinli kompozisyonlardan .
İngiltere'de bu dönemde, Avrupa kıtasında gelişenden çok farklı, kıtada ahenksiz kabul edilen üçüncü ve altıncı aralıkları abartarak kabul eden bir polifoni türü doğdu. İki ( gymel ) ve üç ses ( drone ) için bestelerde ifade edilen bu eğilim, daha sonra Flaman müziğini etkilemiş ve daha sonra Avrupa'ya yayılarak Batı müziğinin ( üç notalı akorlara ve üçüncü notalara dayanan ) temeli haline gelecekti. aralıklar).
Neumatik yazı, okuyucunun hayal gücünü serbest bıraktı ve bu nedenle, şarkıcıların hafızasını ciddi şekilde test eden çok karmaşık kompozisyonların transkripsiyonu için uygun değildi.
Guido d'Arezzo'nun (v. 992 - v. 1050 ) eserinde, söylenecek notaların çeşitli perdelerini belirtmeyi mümkün kılan ilk diastematik yazı sistemi onaylanmıştır. Guido d'Arezzo sistemini tetragrammaton olarak adlandırdı çünkü genellikle dört paralel çizgiden oluşan bir ızgaraya işaretler (modern notlar haline gelecek) yerleştirdi.
Yazısı orantılı süreyi veren notların kullanımının başlangıcı da buradadır. Guido d'Arezzo, satırların üzerine ve arasına yerleştirilen notlara, öğrencilerin kullanımı için bir anımsatıcı araç olarak, Vaftizci Yahya'ya bir ilahinin ilk altı satırının ilk hecelerine karşılık gelen adlar atadı:
“ Ut UT queant laksi, re RE sonare fibris, mi MI ra gestorum, fa FA muli tuorum, sol SOL ve polluti, la LA bii reatum, si S ancte J ohannes. "
Guido d'Arezzo'nun gerçek yeniliği, notalara sadece bir isim vermekle kalmayıp, aynı zamanda onlara göreli bir tonlama da vermiş olmasıdır. Böylece, bir şarkıcı, ilahinin hecesini, şarkının tonik hakkında hemen bir fikre sahip olmaya başladığı notanın tonlaması ile ilişkilendirerek, daha önce hiç duyulmamış bir şarkıyı söyleyebilir.
Bu ezberleme işlemi solmizasyon adını almıştır . Sonraki yıllarda, orijinalinde değişken sayıda satıra sahip olan Arezzo Tetragrammaton'un Guido'su, isim kapsamını alarak beş satırı sabitler ve C notası C'ye dönüştürülür, böylece modern müzik notasyonunun temelleri atılır.
Ortaçağ müziği, ister dini ister seküler müzik olsun, esas olarak el yazması biçiminde aktarılır, bu da onu Rönesans müziğinden farklı olarak matbaanın icadından yararlanacaktır.
Orta Çağ, önemli miktarda tek sesli ve çok sesli seküler müzik üretti: lordların kutlanması; resmi törenler veya Game of Robin ve Marion gibi manzara gösterileri eşliğinde ; ya da estampie gibi dans müziği . El yazması Carmina Burana adlı çizgi olmadan Latin neume yazılmış mevcut laik müzik goliards etrafında, seyyar din adamlarının XIII inci yüzyıl .
Kadar XV inci yüzyıl şiir söylenen ziyade konuşulmaktadır. Bileşimleri ozanı , ozanları ve Minnesänger , şarkıcılar ve şairlerin kalma geri XII inci yüzyıl çeşitli dilden, ( langue d'oc Troubadours için, langue d'petrol Troubadours için, Alman Minnesänger ) şarkılarının temaları var , saray aşkı ve bu ritüelleştirilmiş ve rafine aşk biçiminin geliştirildiği senyör mahkemelerine sık sık gelmeleri.
Gönderen XIV inci yüzyıl bazı seküler melodiler kütlesi veya müziksiz çok sesli ilahi olarak kutsal polifonik kompozisyonlar entegre edilmiştir: bu şarkının durumda silahlı ile ahenk Guillaume Dufay .
In 1150, Pisagor ilham büyük Avrupa kontrpuan okul çevresinde Paris'te geliştirilen Notre-Dame Katedrali adını aldı Notre-Dame okul içinde ve sona eren 1320 ile ars antiqua (terim karşı kullanılan ars nova , başka bir büyük polifonik doğan hareket XIV inci yüzyıl ).
Notre-Dame okulunun temel özelliklerinden biri, modern yazılarda olduğu gibi (Guido d'Arezzo'nun eserlerinde hala göreceli olan) notaların perdesini tam olarak belirtmeye izin veren tekniği müzik notasyonuna sokmuş olmasıdır. ve süreleri bölmenin ilk fikri: her nota artık daha kısa süreli üç nota bölünebilir.
Notre-Dame okulunun iki büyük bestecisi olan Léonin ve Pérotin , Batı müziği tarihinde kutsal müziğin ilk modern yazarları olarak kabul edilir .
Trecento olduğu yüzyıl pençesinden uzaklaşmaya başlar kültür, laikleşme bir hareketin başlayan tüm Avrupa'da testere Kilisesi özerk bir boyut elde etmek.
Bu fenomen, sanatsal üretimin tüm yönlerinde kendini gösterir: edebiyatta, dünyanın teolojik bir temsilinden ( İlahi Komedya ) Boccace'nin insan komedisine geçiştir ; resimde stilize formlardan insanın maddi boyutuna geçiyoruz; mimaride artık sadece ibadethaneler değil, saraylar, kasabalar ve aristokrat konutlar da inşa ediyoruz. Müzik o 1320 yılında, sonudur ait ars antiqua iki ilmi ile: Ars nova musicae , o Jehan des Murs ve bu Philippe de Vitry'nin dönemini başlatmak ars nova .
Bu okul , o zamana kadar kullanılan sürelere başka süreler ekleyerek ve ikili değerler bölümünün uygulamasını genişleterek, ölçüsel gösterim kavramını geliştirdi ; Ayrıca şarkıcıların sesleri çarpılarak ve, örneğin, bir polytextual formu sokulmasıyla metinlere göre bileşimlerin müzik yönlerini vurgulu müziksiz çok sesli ilahi . Bu yenilikler, antiqua taraftarları arasında, tonu o kadar şiddetli hale gelen bir tartışmayı hızla kışkırttı ki, sakinliği yeniden kazanmak için kraliyet müdahalesi gerekliydi.
Nihai olarak hakim olan “Arsnovist” bakış açısıydı ve sonraki yüzyıllarda Flanders'ta ortaya çıkacak olan müzikal yeniliklerin temelini oluşturan onun öğretileriydi .
Ekonomik ve sosyal çalkantılar XV inci yüzyılın , Yüz Yıl Savaşları ve kuzey Avrupa'da ticaretin gelişmesi Fransa'nın önemini azaltmak ve bölgelerinde özellikle genel olarak sanatın gelişimini ve müzik itiyorlar Burgundian Hollanda . Zengin burjuvazi tarafından finanse edilen, katedraller içindeki müzik merkezlerinde gelişen okul, Fransız-Flaman okulu adını aldı ve önceden var olan kitle , motet ve şarkı biçimlerini büyük ölçüde yeniledi . Flamanlar , hareketin kurucusu Guillaume Dufay ya da Josquin des Pres gibi ünsüzleri (bugün Batı kulağına hala aşinadır) üçte bire ve kanonun taklitçi biçimini kompozisyon kurallarının temeline yerleştirerek çok seslilik pratiğinde devrim yarattılar. ars nova ve ars antiqua'dan miras kalmıştır . Çalışmaları, Uyum Teorisi olacak şeyin temelidir .
Bu tür Flaman bileşimler, hangi muazzam karmaşıklığı olarak Johannes Ockeghem en müziksiz çok sesli ilahi Deo Gratias ağızdan ve oktav hem de melodik çizgileri herhangi bir Katlamasız söylemek için 36 eşit parçaya sahip, kodlanmış kurallar ve dikkatli bir sınıflandırma sınıflandırmak için kullanılan formlar kurumasına ve (aralarında o zaman son Flaman döneminin yapay kompozisyonları düşünüyorsunuz sonunda karşılaşılan XVI th ve XVII inci yüzyıllarda , Flaman dersleri diğer Avrupa okullar tarafından emilir) ve çok seslilik ayrılmaz bir parçası haline gelir.
Bu yüzyılın İtalyan müzik üretimi kesinlikle belgelenmemiştir. Faydalı müziğin kurslarda ve genel olarak tüm seküler durumlarda bir genişleme bildiğini biliyoruz, ancak her zamanki gibi sözlü geleneğe emanet edilen müzikal kısım neredeyse tamamen kayboldu. Bu dönemden , Muhteşemler zamanında Floransa'da doğan Laurent de Medici'nin canti carnascialeschi'sini (karnaval şarkıları) koruyoruz . Bunlar birkaç sesli popüler şarkılardır: tüm seslerin aynı ritmi takip ettiği gerçek bir polifoni ( homoritmik polifoni ).
Farklı neredeyse monodik formlar ortaya çıkıyor ya da en azından metnin müzikal çerçeveye hakim olduğu Flaman polifonisinden çok daha basit bir homoritmik polifoniyle ortaya çıkıyor. En popüler olanlardan biri frottola şeklidir . Villanella başlangıçta seçildi Villanella alla napoletana ilk üç parçalı biçimidir Napoliten uluslararası şeklini aldı madrigal . Bu dönemin geleneğinden uzaklığını vurgulayan paralel beşlilerin varlığı ile karakterize edilen oldukça popüler bir karakter biçimidir.
Matbaa icat Gutenberg içinde 1453 ( XV inci yüzyılın ) itibaren müzik amaçlar için kullanılan 1501 ( XVI inci yüzyıl ). Bu, müzikal yazının tüm fethini mühürlemenin yanı sıra Rönesans'tan itibaren tüm Avrupa'da tekdüzelik yaratmayı mümkün kılacaktır .
XVI inci yüzyılın doğuşuna: müziğinin yayılması için en önemli olaylardan üretmek birini görürse müzik yayıncılık . In 1501 yılında Venedik girişimiyle ilk kez yayınlandı Ottaviano Petrucci Harmonice Musices Odhecaton , basılı müzik tam bir hacim. Petrucci hareketli tip kullanır. Romalı bir matbaacı olan Andrea Antico, aynı sonucu elde etmek için birkaç yıl sonra ksilografik tipte bir işlem kullanacak .
Popüler müzik alanında, 1530'lar ve 1540'lar, genellikle homoritmik (sesler aynı anda aynı süredeki notaları söyler) birkaç sesle heceli şarkı söylemenin yaygınlaşmasına tanık oldu. Bu tür birçok değişiklik ve evrim geçirir; yüzyılın ikinci yarısında ondan türeyen salt enstrümantal form, çalınacak şarkı , barok dönemde gelişecek enstrümantal formların atası olacaktır .
Fransız Philippe Verdelot ve Flaman Jacques Arcadelt , bu türün bir başka önemli dalı olan madrigal'i , metnin anlamının, ifade edici karakterini müziğe ilettiği birkaç sesli kantat biçimini doğurur . Fransız-Flaman okulunun beşinci kuşağının ( Palestrina , Monteverdi , Orlando di Lasso , Adrien Willaert ) ana müzisyenleri bu türü benimseyecek.
Protestan Reformunun ortaya çıkışı ve Trent Konseyi'nde (1545-1563) doruğa ulaşan Katolik Karşı-Reformasyon'un tepkisi, kutsal müzik üzerinde derin bir etkiye sahiptir. Litürjik ilahilerin Almancaya çevrilmesi ve müziğe, genellikle laik melodilere ayarlanması, Protestan koro geleneğini yaratır . Katolik dünyasında, bir önceki yüzyılın Flaman okulunun getirdiği aşırı karmaşıklıktan uzaklaşan ve kitleler halinde seküler müziğe herhangi bir başvuruyu yasaklayan, bestecilerin müziğin anlaşılabilirliğine saygı duymasını gerektiren bir hareket Gregoryen'in kökenlerine dönüyor gibi görünüyor. Metin. Ünlü bir İtalyan müzisyen bu ilkelere özellikle duyarlıydı: Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594). Kısa bir süre için Sistine Şapeli de dahil olmak üzere çeşitli Roma şapellerinin müzik direktörü, Katolik kutsal müziğinin pratik olarak yeniden temelini oluşturan 100 ayin, 375 motet ve 300'den fazla diğer besteden oluşan bir külliyat bıraktı, gelecek yüzyıllar için litürjik müzik için mihenk taşı.
Aynı zamanda, hümanist çevrelerde, polifonik biçimin savunucuları ile ikincisinin yenilikçi olarak göründüğü monodinin savunucuları arasında bir tartışma gelişiyor. Yüzyılın sonlarına doğru Camerata de 'Bardi'nin Floransalı çevresinin etkisi temel hale geldi. Euridice adlı bir müzikal dramanın en az iki versiyonunun (birbiriyle rekabet halinde) üretilmesi bu cenacle'ın sonucudur. Claudio Monteverdi'nin dehasının müzikal dramayı ( opera ) doğuracağı " sung recitative " adlı yeni bir teknik kullanılır .
Yüzyılın sonunda , yukarıda bahsedilen tartışmada çok sesliliğin “muhafazakar” savunucularından biri olan Gioseffo Zarlino'nun De Institutioni Harmonicae ( 1589 ) adlı incelemesi , nihayet armoni yasalarını (ve dolayısıyla çok sesliliği) tamamen kapsamlı bir şekilde tanımlamıştır. .
Bu dönemde olağanüstü bir hızla gelişen Batı müziği , çok sesliliğin karmaşıklığına ve skolastik yönüne tepki olarak operanın ( Claudio Monteverdi ) ortaya çıkmasıyla başladı . Bununla birlikte, basitliğe dönüş, hızlı bir şekilde , opera seria şeklinde sonuçlanan, efektler ve virtüözite ( Alessandro Scarlatti ) için çılgınca bir arayışa yol açtı . İtalya, Jean-Baptiste Lully'nin ardından Jean-Philippe Rameau'nun baskın etkisi altında Louis XIV Fransa'sı hariç tüm Avrupa müziğine hakim olmaya başlar .
Daha muhafazakar olan dini müzik , hala operadan etkilenir ve daha çok bir ayin olan bir biçim benimser: oratoryo ( Giacomo Carissimi , Handel ).
Kontrpuan bu süreyi hakim (ve çalışmalarında zirveye ulaştığı Bach gibi bestecilerin gömülü olurken, Vivaldi ve Telemann oldukça qu'harmonique tematik ifade üstünlüğünü ilerleyen) olsun kesin yerleştirir iken tonal sistemi , kuralları klasik uyum (Rameau) ve son olarak, uzun deneme yanılma yoluyla, eşit mizaç .
Enstrümantal müzik spesifik formları (özerkliğini kazanarak ve yaratır füg , sonradan , Concerto Grosso , sonat gibi ustaların etkisi altında ...) Jan Pieterszoon Sweelinck , Girolamo Frescobaldi ve daha sonra Arcangelo Corelli birçok öğrencim yapın. Enstrümanlar ortaya çıkar, tarzlarına veya çalım tekniklerine göre gelişir.
Geçiş, Antonio Vivaldi , Georg Philipp Telemann gibi besteciler , Bach'ın oğulları veya Mannheim Okulu'nda toplanmış besteciler tarafından hazırlandı : kontrpuanın melodi lehine gevşemesi, "artık bağımsız akorlardan kaynaklanmayan" bir armoni tarafından destekleniyor. ayrı seslerin birleşimi. Yeni formlar doğuyor veya gelişiyor (solist konçerto, yaylı çalgılar dörtlüsü, klasik sonat, senfoni…), diğerleri ise yok oluyor (konçerto grosso, süit…); enstrümanlar için de aynı şey geçerlidir: keman kemanı unutturduğu için piyano harpsikorun yerini alır.
Wolfgang Amadeus Mozart'ın büyük varlığı, müziğin tüm alanlarında ( senfonik , opera , oda müziği ) klasik döneme damgasını vurur ve 18. yüzyıl müziği ( Franz Joseph Haydn'ın müziğin mükemmelliğini yansıtan senfonileri ve yaylı dörtlüleri ) arasındaki bağlantıyı oluşturur. standartları) ve romantik müzik XIX inci yüzyılın .
Den yıl 1750 için 1850 Batı klasik müzik altın çağını oluşturmaktadır. Bu, özellikle Haydn ve Mozart ile önceki yüzyılda ortaya çıkan “ senfoni ” formunun önemli bir gelişimi ile daha zengin ve daha ayrıntılı biçimlerde ifade edilir . Ayrıca enstrümantal alanında, müzik piyano ve oda müziği kendi zirve noktasındadır ve ilk yarısının bestecilerin mahrem duygularını yansıtan XIX inci yüzyıl . Lirik Opera İtalya'nın sınırlarının ötesine uzanır. Besteciler, önceki yüzyıllarda inşa edilen armonik ve tonal sistemin sağladığı ifade olanaklarından daha fazla yararlanır.
Müzikal romantizmin ilk tezahürleri, Mozart ve onun çağdaşı olan klasik bestecilerin mirasından doğan Ludwig van Beethoven'ın , kanonik müzik formlarının, özellikle de senfoninin başkalaşımına varması , aynı zamanda yaratmasıyla ortaya çıkar. "mutlak" müzik kavramı, şimdiye kadar tabi olduğu toplumsal işlevden kurtuldu.
Beethoven ile daha önce esnaf müzisyenin hakim olduğu sanatçı besteci figürünün doğuşuna tanık oluyoruz. Beethoven'ın dokuz senfonisinin rezonansı, senfoni formunu müzik formlarının kraliçesi olarak teşvik edecek şekildedir. Ludwig van Beethoven senfoni formunu zirveye getirdiyse, aynı zamanda olağanüstü 32 piyano sonat serisi (artı üç WoO sonat), trifleler ve varyasyonlar ( Diabelli varyasyonları ) ile piyano için kapsamlı bir şekilde beste yaptı .
Akım, Carl Maria von Weber , Franz Schubert , Felix Mendelssohn , Robert Schumann , Johannes Brahms ve Richard Wagner gibi diğer birçok Alman ve Avusturyalı besteci tarafından da güçlü bir şekilde temsil edilmektedir . Fransa'da hareketin aktörleri Hector Berlioz ve Polonyalı Frédéric Chopin'dir . İtalya'da Gioachino Rossini , Vincenzo Bellini , Gaetano Donizetti ve Giuseppe Verdi ile opera bestecileri var . Piyano için Franz Liszt ve keman için Niccolò Paganini ile en ünlü ve ünlü iki örneği sağlayan virtüöz müzisyen figürü de bu dönemden doğar .
Birçok müzisyen daha sonra kendilerini senfonik türe karşı ölçmekten korkar . Ancak Franz Schubert , Felix Mendelssohn , Robert Schumann , Anton Bruckner , Johannes Brahms , Piotr Ilitch Tchaikovsky ve Gustav Mahler gibi besteciler “büyük Alman senfonisinin mevsimi” hakkında konuşulmasını sağlayacak sonuçlarla karşı karşıya kalmaktadır .
Beethoven'ı takip eden pek çok besteci piyano repertuarını resimledi , genellikle sonatın resmi çerçevesinin ötesine geçti: Carl Maria von Weber (sonatlar, varyasyonlar…), Franz Schubert (sonatlar, doğaçlama , müzikal anlar …), Felix Mendelssohn (sonatlar, Romanslar olmadan) kelimeler , prelüdler , fügler ...), Robert Schumann ( Kelebekler , Davidsbündlertänze , Karnaval , senfonik çalışmalar , Çocuk sahneleri , Viyana Karnavalı , Fantasiestücke ...), Frédéric Chopin ( prelüdler , çalışmalar , geceler , mazurkalar , Lehçe valsler ... ), Franz Liszt ( Sonata si minör , üstün performans Çalışmaları , hac Yıl , transkripsiyonlarını ...) ve Johannes Brahms (sonatları Rapsodiler , intermezzi, fanteziler, Macar dansları ...).
Romantik müzisyenler de özellikle Alman besteciler Ludwig van Beethoven (16 telli dörtlüler ), Franz Schubert (15 telli dörtlüler), Felix Mendelssohn , Robert Schumann ve Johannes Brahms ile duyguların samimiyetini yansıtan oda müziğinde kendilerini çokça ifade ederler. .
XIX inci ayrıca büyük sezonunun yüzyıl İtalyan opera ile Gioachino Rossini ( 1792 - 1868 ) Vincenzo Bellini ( 1801 - 1835 ), Gaetano Donizetti'nin ( 1797 - 1848 ) Giuseppe Verdi ( 1813 - 1901 oturulan ve) iki yüzyıl, Giacomo Puccini ( 1858 - 1924 ). İtalyan opera geleneği rolünü yüceltmek devam şan ve opera belagat kurtulmuş olduğunu, XVIII inci yüzyılın , lirik an, ruhun saf ifadesi haline gelir. Bununla birlikte, yüzyıl boyunca, Fransız operasının görsel yönlere duyarlı olan ve yüzyılın ikinci yarısından itibaren natüralizmin estetizmiyle bağlantılı olan yönlerini yavaş yavaş özümsedi . Orkestra gelince, basitten eşliğinde şarkının, bu Puccini, bir senfoni orkestrası ile olmak gelişmektedir.
O için başlangıcı göründüğü gibi yüzyılın sonunda, yeni formlar ve yeni sesler için arama, tonal sistemin "kriz" yol açtı Tristan ve Isolde tarafından Richard Wagner de 1865 armonik esrarengiz pasajlar içermektedir, anlaşılmaz in yürürlükteki kuralların ışığı.
, Tonal sistemin krizini takiben straddling XIX th ve XX inci yüzyıllar müzikal kompozisyon dayandırmak için yeni dilsel kodları için hummalı bir arama kararı verdi. Önerilen çözümler çeşitlidir: modaliteye geri dönüşten , yeni gamların benimsenmesine, tam tonlar için olduğu gibi (diğerlerinin yanı sıra Claude Debussy tarafından kullanılan ), atonal ve ardından 12 tonlu kromatizme kadar. geleneksel ahenk/ahenksizlik ikiliği üzerindeki menteşelerini ortaya çıkarmaktır.
İkinci on yılında XX inci yüzyıl , Arnold Schoenberg ve göz bebekleri Alban Berg ve Anton Webern yeni sistemin ana hatlarını izlemek için yönetilen özellikle, on iki ton sistemi oniki notlar serisi dayalı. Bazıları için bu , genellikle avangard müzik olarak tanımlanan modern müziğin başlangıcıdır .
Igor Stravinsky , Bela Bartok veya Maurice Ravel gibi müzisyenler , halk geleneklerinde ve Avrupa dışı müzikte yeni ilhamlar aramayı, tonal sistemle bir bağ kurmayı, ancak organizasyonu derinden yenilemeyi ve yeni gamlar, yeni ritimler ve yeni tınılarla denemeler yapmayı seçiyorlar.
Diğerleri şiddetle karşı çıkıyor, başka bir yol arıyor. Başlangıçta yalnızca müzikal aralıklarla bağlantılı serisinin kavramı, ikinci yarısında gelişen XX inci yüzyıl tüm ses ayarlarını absorbe. Bu, 1950'lerde Pierre Boulez veya Karlheinz Stockhausen gibi besteciler tarafından kişileştirilen , ancak çok büyük katılığı nedeniyle hızla terk edilen integral sericilik aşamasıdır .